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괴수물은 보이 미츠 걸이라고 생각한다

괴수 영화는 “보이 미츠 걸”에 관한 것이라고 생각합니다.

사코다

이전 에피소드에서는 잘 만들어진 작품뿐만 아니라, 캐릭터에 가까운 작품 만들기와 시노가 소중히 여기는 캐릭터의 마음의 움직임, 그 마음의 움직임을 몸의 움직임으로 표현하고, 캐릭터가 최고의 무언가를 얻기 위해 상황을 극복해 나가는 것에 대해 이야기했습니다. 그러한 것들에 대한 표현의 방식에 대해 논의했습니다.

In the previous episode, we talked about not only well-made works, but also about creating works that are close to the characters and the emotional movements of the character, the importance of Shino-san as a character, expressing those emotional movements through physical movements, and how characters overcome their circumstances to achieve something great. We discussed the way of expressing and giving power to such things.

하라다

네, 그렇습니다. 이야기를 듣는 것이 정말 재미있었고, 사실 저는 첫 번째 에피소드에서 등장한 모로보시 다이지로를 계속 머릿속에 떠올리며 이야기를 듣고 있었고, 시노에게 모로보시 다이지로는 무엇일까?를 생각하며 듣고 있었습니다. 물론 저와 시노는 모로보시 다이지로 작품에 대한 관점이 전혀 다를 것이라고 생각하지만, 서로 전혀 다른 두 세계나 사고방식이 만나는 경계선 같은 것, 그런 곳에서 생기는 균열이나 반응, 놀라움, 우왕좌왕 같은 것들이 모로보시 다이지로라는 소재에서 많이 나타나는 것 같다는 생각이 들었습니다.

Yes, I see. Well, I was really enjoying the interesting story, and actually, I’ve been listening while imagining Dainiro Moroboshi, who appeared in the first episode, in my head. I was thinking, “Who is Dainiro Moroboshi to Shino-san?” and things like that. Of course, I understand that Shino-san and I have different perspectives on Moroboshi’s works. It’s like the meeting point of two completely different worlds or ways of thinking that may not naturally fit together. It’s like a crack or a reaction or a state of confusion that occurs in such a place, and it seems like Moroboshi has a lot of materials like that.

그래서 그 안에서 “아, 하늘을 모르는 새가 하늘을 알게 된다면”이라든지, “그 새의 존재를 모르는 지하의 사람이 새를 알게 된다면” 같은 것들이 이 세계와 만나는 경계선에 대한 이야기입니다. 저도 여러 가지 일을 하면서 단순히 어떤 것을 계속하는 것보다, 어떤 것과 어떤 것 사이에서 생기는 현상 같은 것에 더 관심이 많고, 그 공간을 탐구하는 것을 좋아하는 것 같습니다. 그런 곳에서 이야기가 태어나는 느낌이 시노에게도 있을까 하는 생각을 하며 듣고 있었습니다.

So within that, there are things like “Oh, what if a bird that doesn’t know how to fly learns about the sky?” or “What if people living underground who don’t know about the existence of birds learn about them?” It’s about encountering the boundary line between different worlds. Even in my own experiences, I’ve always been more interested in the phenomenon that occurs between two things rather than simply focusing on one thing. I search for that space. It’s like stories are born there. I was listening while thinking that maybe Shino-san also has that sense.

시노

아, 그렇군요. 정말 그럴지도 모르겠네요. 사실 저는 모로보시 다이지로를 읽고는 있지만, 그렇게 자세히 알지는 못해서, 관심이 가는 것만 읽고 있는 정도입니다. 뭐라고 해야 할까요, 여러 번 이야기한 “미지와의 조우”나 괴수물도, 결국 이 세상의 이물, 어떤 위험한 것들이나, 혹은 배제된 것들, 장애물이나 재해의 메타포가 되기도 하는데, 그런 것에 부딪히는 순간에 대한 이야기인 것 같습니다. 그리고 저는 그것을 보이 미츠 걸로 착각하고 있는 것 같아요, 이해하시겠어요?

Ah, I see. That could really be the case. I actually have read some of Osamu Dazai’s works, but I’m not that familiar with them. I’ve only read the ones that caught my interest, so I’m not that well-versed in it. But what should I say… works like “Close Encounters of the Third Kind” or monster movies, they’re basically metaphors for something foreign in this world, like something dangerous or an outcast or an obstacle or a disaster, right? It’s about those moments when you encounter something like that. And I mistakenly associate it with “Boy Meets Girl,” you know what I mean?

사코다

그렇죠, “킹콩”의…….

That’s it, right? “King Kong”…

시노

그런 거죠. 그래서 세상의 괴수물은 이루어질 수 없는 만남의 이야기라고 생각해요. 그리고 혼다 감독의 작품은 그것이 지나쳐서 심중물로 되어 있다고 생각해요. 함께 죽어줄 사람이 없으면 수습이 안 되는 이야기로 되어버리니까요. “가스인간 제1호” 같은 경우가 그렇죠. 바로 그런 느낌인데, 오히려 그런 것에 끌리는 것 같아요. 즉, 이 두 사람은 절대 있을 수 없는 존재라는 것. 예를 들어 새에게 사랑에 빠질 수 있는 사람은 많지 않잖아요. 물론 귀엽다고 생각하는 사람은 많겠지만, 저는 조금 상충하는 존재나 현상에 대해, 아마 페티시가 이상한 것 같지만, 뭔가 사랑을 느끼고 있는 것 같아요. 제게 있어 귀엽다는 것은 아마 일반적인 미소녀가 귀엽다는 것과는 조금 다른 것 같아요, 사랑할 수 있는지 없는지에 대한 것이죠. 그래서 애니메이션 중에 이상한 일이 일어나도, 그걸 사랑하면서 찍고 있는 것 같은 부분이 있을지도 모르겠네요. 그렇게 듣다 보면 모든 것이 보이 미츠 걸이 되는 거죠.

That’s what I mean. So, I think that monster stories in the world are stories of encounters that cannot be fulfilled. And I think that Honda’s works have taken it to the extreme and become stories of double suicides. Like “The First Gas Human”. That’s exactly the feeling I get, but rather than being repulsed by it, I’m actually drawn to it. In other words, these two people are absolutely impossible, you know? For example, there aren’t many people who can fall in love with birds. Well, I think there are plenty of people who find them cute, but for me, it’s a bit incompatible with my existence or phenomenon. I think maybe my fetish is strange, but I feel a little bit of love towards it. My idea of cute is probably different from just finding normal pretty girls cute, it’s about whether I can love them or not. And it seems like the extent to which I can love is different from ordinary people. So, even if strange things happen in anime, there might be a part of me that loves capturing those moments. It’s like listening to all those “boy meets girl” stories.

하라다

그 감각을 가지면서, 지금 애니메이터로서 캐릭터와 상황이 가장 중요하다는 이야기도 있었던 것 같은데, 그런 균열이나 순간 같은 것에 접했을 때 캐릭터가 어떻게 움직이는지, “이렇게 움직이고 싶다” 같은 그런 감각이 아닐까요?

While having that feeling, now, as an animator, I think there are stories where characters and situations are the most important. When encountering cracks or moments like that, I wonder how the characters move or think, like “I want them to move like this.” It’s a kind of sensation, I guess?

시노

정말 그렇습니다. 아마 저는 이야기보다는 그 순간을 그리려고 하는 것 같아요. 최근에 느끼는 부분이기도 하고요. 긴 시간의 마음의 움직임이 아니라, 예를 들어 망설이는 순간이라든지, 좋고 나쁨에 대한 것이라든지, 날아가는 것 같은 것들. 꽤 짧은 시간 감각 속의 무언가를 어떻게든 붙잡고 싶다는 그런 페티시로 애니메이션을 만들고 있는 부분이 있습니다. 그래서 애니메이션을 선택하고 있는 것일지도 모르겠네요.

It’s really like that, isn’t it? Maybe I’m not interested in the story itself, but rather in capturing those moments. That’s something I’ve been feeling lately. It’s not about long-lasting emotional changes, but rather about those moments of hesitation, whether something is good or bad, or even when things are in flux. I want to grasp something within relatively short periods of time, like flying. There’s this fetish of wanting to capture something within that short sense of time, and that’s why I make anime. So maybe that’s why I choose anime.

하라다

저는 해외에 대해 잘 아는 것도 아니지만, 북미 같은 경우 애니메이터=배우론 같은 것이 있잖아요. 지금 이야기 듣고 보니, 시노의 캐릭터를 움직이고 싶다는 부분이 굉장히 배우적인 감각에 가까운 것 같아요.

I’m not particularly knowledgeable about foreign countries, but in places like North America, there’s this idea that animators are like actors, you know? And listening to the current discussion, it seems like you have a strong desire to bring Shinohara-san’s character to life, which feels very actor-like or closer to that kind of sensibility.

시노

그렇죠, 일본의 애니메이터는 특히 분업화가 많이 진행되었잖아요. 예를 들어 이펙트가 매우 뛰어난 사람도 있고, 캐릭터 연기만 하는 사람도 있습니다. 액션이 많긴 하지만, 액션은 그 순간의 신체 동작의 아름다움이나 타이밍의 기분 좋음을 추구해야 하니까, 그렇게 하지 않으면 액션으로서 빛나지 않거든요. 그래서 일본의 애니메이터는 그런 기술적인 면을 많이 중시하는 것 같아요. 개인적으로는 그 부분을 극복할 생각은 별로 없지만요.

Well, when it comes to Japanese animators, there is quite a bit of specialization going on, you know? For example, there are people who are really good at effects and only do effects, and there are people who only focus on character acting. Action is definitely a big part of it, but for action to stand out, it needs to pursue the beauty of body movements in that moment and the satisfaction of timing. Japanese animators seem to place quite a bit of emphasis on these technical aspects, so maybe there are quite a few animators who are like that. Personally, I don’t have much of a desire to specialize in that area.

오히려 “그 사람이 어떤 기분일까”라든지, 예를 들어 물이 흐를 때 이 물은 어떻게 흐르고 싶을까, 바람이 불었을 때, 이건 어떤 의도의 바람일까 같은 것에 더 관심이 많습니다. 그래서 배우적인 감각이죠, 바람 하나 불게 할 때도 “이 바람은 어떤 기분으로 불고 싶을까?” 같은 생각을 하게 됩니다. 주인공을 쓰다듬고 싶어하는 건지, 아니면 힘든 일을 겪게 하고 싶은 건지, 그게 어떤 것인지 궁금해지죠.

I’m more interested in thinking about “what is this person feeling?” For example, when water flows, I wonder how this water wants to flow, or when the wind blows, what kind of wind is it? It’s more about that kind of feeling. So it’s more like being an actor, even for just blowing a breeze, I think, “What kind of feeling does this wind want to convey?” Is it to caress the protagonist or to make them suffer? I wonder which it is.

하라다

자율성이 좋다고 생각하지만, 상업 현장에서는 연출의 의도가 있는 경우가 많아서, 그 부분은 어떻게 되고 있나요?

I think autonomy is generally a good thing, but in the commercial field, there is often a certain direction in terms of production. Can you please explain how things work in that regard?

시노

그렇죠. 그래서 꽤나 배경 캐릭터로서 완전히 몰입하는 것도 물론 가능하긴 해요. 제대로 설명을 듣고 제가 납득할 수 있다면 꽤 그에 따라 할 수 있죠. 하지만 아까 처음에 이야기한 것처럼, 어떤 생각으로 하고 있는지 잘 이해할 수 없는 것들이나 납득할 수 없는 것들, 그리고 구조를 이해할 수 없는 것들을 그리는 것은 저에게는 불가능해요.

So, of course, if I talk to the director and they tell me, “This is the reason why we want it to be like this,” I can think, “Ah, I see,” and draw it that way. But if it’s unclear or vague, I end up not being able to write because I’m like, “Huh, what, I don’t get it,” and things like that. Well, more often than not, I feel like I’m completely focused on the directorial aspects while still working as an animator.

사코다

시노님이 콘티를 쓸 때, 그 장면이나 컷의 의도나 의미를 콘티에 적고 있나요?

When writing a storyboard, do you include the intentions, meanings, or purposes of the scenes or cuts in the storyboard?

시노

아, 그렇군요. 꽤 많이 넣습니다. 주석처럼 “여기는 뭐뭐에 대한 오마주입니다”라든지 “어디의 장면의 이런 느낌이 필요합니다” 같은 식으로요. 주로 영화에 관한 것인데, 영화나 애니메이터 단체의 이름으로 꽤 지정하는 경우가 많아서, 그런 느낌의 주석이 많아서 매우 죄송하다고 생각하고 있습니다. 매번 조사하게 하다니요.

Ah, I see. That’s quite a lot. It’s more like footnotes or something like “This is an homage to so-and-so” or “I want the feeling of a certain scene from this place.” It’s mostly about movies, but sometimes I specify with either the name of a movie or an individual animator. I apologize for having so many disclaimers like that, it must be a hassle to look them up every time.

사코다

이건 제 개인적인 의견입니다만, 그렇게 구조에 의미가 있거나 의도가 있는 것을 제시하는 것이 더 잘 정리된다고 생각합니다. 제가 짧은 것부터 긴 것까지 여러 개를 만들면서, 감독이나 중심이 되는 사람이 그런 의도를 강하게 가지고 있는 것이 프로젝트가 안전하게 진행된다는 실감을 느끼기 때문에 필요한 것이라고 생각합니다.

This is just my opinion, but I think it’s important to have a clear structure and intention when creating something. When there is a clear intention and someone like a director or leader who carries that intention strongly, it brings coherence to the project and gives me a sense of security that the project is progressing safely. So, I believe it is necessary to have such intention in order to create various works, from short ones to long ones.

시노

그렇군요. 그런 사람이 곁에 있는 사람도 좋을 것 같아요.

Well, I think it’s okay to have people like that around, you know.

사코다

확실히 그런 역할 분담은 가능하겠죠.

Certainly, such division of roles is possible, isn’t it?

하라다

조금 보조선적인 이야기로, 예를 들어 연극 현장에서는 꽤 강렬하게 무언가를 통제하고 싶어하는 극작가가 있고, 그에 따라 역할을 연기하는 전문 배우 같은 패턴이 있습니다. 전통적인 연극의 이미지는 그런 쪽이 강하죠.

As a kind of auxiliary line or, for example, on the set of a play, there is often a type of playwright who strongly wants to control something, like a professional actor who can perform the role exactly as they envision it. Well, the image of traditional theater is quite strong in that regard.

반면에, 그 연습실에서 장면을 만들어가는 배우와 함께 연기하게 하여, 장면의 재미를 파악하면서 연극을 만들어가는 방식도 있습니다. 각 에치유드나 에피소드를 선택하고 버리는 것 같은 방식이죠. 다큐멘터리에서만 본 적이 있지만, 디즈니나 픽사에서 하는 스토리보드를 만들고 버리는 방식이 그와 비슷한 것 같아요.

On the other hand, there is also a way of creating a play by performing together with the actors who are building the scene in the rehearsal room, while discerning the interesting aspects of the scene. It’s like selecting and discarding each study or episode, a kind of approach like that. I’ve only seen it in documentaries or something, but it’s somewhat similar to creating and discarding storyboards, like what they do in Disney or Pixar.

그래서 일본에서는 꽤나 콘티를 구축하려고 하는 경향이 있는 것 같은데, 시노의 감각으로는 그런 에치유드를 제대로 만들면서 선택하는 시간이 있다면, 정말 재미있는 일이 생길 것 같지만, 평소의 작업에서는 그 정도까지는 할 수 없는 경우가 많고, 짧은 띠에 긴 띠가 있는 것처럼, 조금 맞지 않는 부분이 있을 것 같다는 생각이 듭니다.

So, in Japan, there seems to be a tendency to try to construct a narrative, a kind of construction-oriented playwright style. From Shino-san’s perspective, it seems that if there were terms for creating such studies and making selections, it could lead to very interesting things. However, in everyday work, there may be many things that cannot be done to that extent, and although it’s a short obi, the sash is long, there may be some mismatched aspects, I imagine.

시노

아, 그렇군요. 정말, 뭐라고 해야 할까요, 의욕의 공회전 같은 건가요? “너에게 그 정도는 기대하지 않아” 같은 느낌이 조금 있을지도 모르겠네요.

Hmm, I see. What should I say? Is it like a spinning of motivation? Maybe there’s a bit of a feeling like “I don’t expect that much from you.” I’m not sure though.

하라다

말하는 대로 하라는 이야기가 있다거나, 전적으로 맡기는 경우가 있다거나, 뭐 그런 건 잘 모르겠지만요.

It seems like there’s a conversation about doing things as instructed or delegating tasks. Well, I’m not really sure about that.

시노

뭐, 캐릭터 디자인 같은 걸 할 때는 어느 정도 제 아이디어가 들어가서 재미있어질 수 있는 부분도 물론 있습니다.

Well, when it comes to doing character design, there are definitely elements of my own ideas that make it interesting.

사코다

감사합니다. 흥미진진해지고 있습니다만, 일단 여기서 한 곡 틀 수 있으면 좋겠습니다.

Thank you very much. We are getting excited, but for now, I would like to play a song here.

시노

이 작품은 이야기는 엉망이지만 마음의 흐름이나 영화의 시작 방식, 그리고 제 출신인 치바현 출신이라는 점이 맞물려서, 비타비타하게 빠져버린 “청춘의 살인자”라는 영화가 있습니다. 현재까지 두 편밖에 찍지 않은 감독의 그 중 하나인데, 그 영화의 주제곡이 된 고다이고의 곡을 조금 틀어보려고 합니다.

“추억을 너에게 맡기겠다”라는 곡입니다. 잘 부탁드립니다.

This work is a mess in terms of the story, but the flow of emotions and the way the movie starts, along with the fact that I am from Chiba Prefecture, all combined to make me absolutely hooked on a movie called “Youthful Murderer.” It’s one of the two films made by a director who has only made two films so far. I think I’ll play a little bit of the song by Godiego, which became the theme song for that movie.

The song is called “I’ll Entrust My Memories to You.” Thank you in advance.

소리가 없는 순간의 영상으로 공감을 만든다

소리가 없는 순간의 영상으로 공감을 만든다

사코다

시노님이 말씀하신 “괴수를 보이 미츠 걸로 생각하고 있다”는 것은 꽤 요약된 것이기 때문에, 문맥의 설명이 필요할 것 같습니다. 시노님이 그리는 것과 캐릭터 디자인하는 것 역시 “사랑의 범위”라는 점에서 이해가 가고, 시노님에게 있어 사랑의 범위가 일반과는 조금 다를 수 있다는 이야기가 흥미로웠습니다.

The statement from Shino-san, “I consider monsters as Boy Meets Girl,” seems to be quite condensed, so it seems necessary to provide context. It was interesting how Shino-san’s portrayal and character design align with the concept of “love” and how Shino-san’s perspective on the scope of love might be slightly different.

개인적으로는 괴수와 관련된 “배제된 자의 메타포”나 “장애물/재해의 메타포”에 대한 이야기가 꽤 흥미로웠습니다. 앞으로 어디선가 더 탐구할 수 있기를 바랍니다. 또한, 콘티를 쓸 때나 원화를 그릴 때, 시노님에게는 의도가 이해되지 않거나 구조가 이해되지 않는 것들이 작업하기 어려운 것이라는 이야기가 있었고, 그로 인해 하라다님이 연극이나 에치유드에 대한 이야기를 하게 되었고, 그로부터 의도를 구축해 나가는 흐름이 있었는데, 이런 식의 표현 방식이 수용될 수 있을 것 같다는 해석을 했습니다.

Personally, I quite enjoyed the discussion of the metaphor of the “outcast” or the “metaphor of obstacles/disasters” in relation to the monsters. I hope to explore this further somewhere in the future. Also, when writing the script or creating the original artwork, there was a discussion about how Shino-san finds it challenging to work with things that are not understood or structures that are not comprehensible. This led to a conversation about theater and etudes initiated by Harada-san, and from there, it was interpreted that adopting a more agile approach, where various things are done on the spot, instead of a waterfall-like approach, might be interesting.

그래서 총체적으로 이 짧은 시간의 마음의 움직임을 몸의 움직임으로 표현하는 것이 시노님이 하고 싶은 것이라는 이야기가 나왔습니다. 역시 크리에이터 한 사람 한 사람이 자신을 어떻게 보여줄 것인지에 대해 신경을 쓰고, SNS 상에서의 행동 같은 것에도 관심이 있는 분들이 많을 것 같아서, 자기 브랜딩 같은 것에 대해 시노님은 어떻게 생각하고 계신지, 신경 쓰는 점이나 하고 있는 일이 있는지 듣고 싶습니다.

So, in summary, it was mentioned that Shino-san wants to express the movements of the heart during this short period through physical movements in the film. I think each creator is conscious of how they present themselves and many are interested in their behavior on social media. Therefore, I would like to ask how Shino-san perceives their own branding and if there are any concerns or actions related to it.

시노

음, 저는 친구가 많지 않아서, 만들 때 혼자 있는 경우가 많아서, 제 생각을 이야기할 기회가 별로 없어요. 물론 만들기도 하고요. 그것도 물론 브랜딩의 일환이라고 생각하는데, 기본적으로 아까도 말했듯이, 저는 예를 들어 취향이 꽤 편향되어 있어서, 편향되어 있다는 건 아니고, 왕도만 아니면 뭐든지 괜찮은 느낌이 되어버리거든요. 제 취향에 솔직하게, 대체로 니치가 존재하는 것 같아요. 지난 5년 정도 괴물이나 인간이 아닌 것들을 많이 썼거든요. 그런 쪽이 물론 잘하고 좋아하는 것이지만, 정말 이렇게까지 인간이 아닌 것들만 쓰게 될 줄은 몰랐어요. 그래서 잘하는 것과 좋아하는 것을 이렇게 좋아한다고 말하고 계속하는 것이 꽤 중요하다는 것을 깨달았어요. 그래서 앞으로도 아마 그 방향은 흔들리지 않을 것 같아요. 꽤 페티시하게 솔직하게 계속 만들고 있으니까요.

Well, I don’t have many friends, so when I create things, I often end up doing it alone. Is this like a place for me to share my thoughts? I don’t have many opportunities like that. Of course, I also do things like branding. It feels like that is also a part of it. But basically, as I mentioned earlier, my preferences are quite biased, or rather, I’m okay with anything as long as it’s not mainstream. I tend to be honest with my preferences, and there are generally niche interests, you know? For the past five years or so, I’ve been writing about monsters and things that are not human. I definitely enjoy that and it’s something I’m good at. I never thought I would end up writing only about things that are not human. It made me realize that it’s important to continue doing what you’re good at and what you love. So, I think I probably won’t deviate from that direction in the future. I’ve been faithfully creating things in a somewhat fetishistic manner.

사코다

페티시를 솔직하게 공언하고, 그 페티시에 맞는 것을 계속해서 아웃풋해 나가면, 자연스럽게 자기 브랜딩이나 자신이 좋아하는 일이 생길 것이라는 것이군요.

To honestly declare your fetish and continuously produce output that aligns with that fetish, it will naturally lead to the development of your personal branding and the emergence of work that you love.

시노

결국 세상에는 다양한 사람들이 있지만, 취향도 물론 천차만별입니다. 물론 제가 쓴 것을 좋아하는 사람이나 이런 장르를 좋아하는 사람도 많을 테니, 우선 그런 사람들에게 전달하는 것이 중요하다고 생각합니다. 제가 잘하는 분야에서 승부를 걸지 못한다면, 나중에 무엇이 남을까 하는 생각이 듭니다. 아이디어 한 방 승부 같은 것도 그렇게 잘하지 않아서요. 물론, 예를 들어 트위터에서 화제가 되거나 모두가 공감할 수 있는 것을 만드는 것은, 확실히 그 순간의 공감을 얻기 쉬울지도 모르지만, 표현이 그럴 수도 있지만, 제가 만든 캐릭터에게 사랑에 빠지길 바라는 거예요. 제가 그 아이에게 사랑하고 있기 때문에, 그 느낌을 알고 싶어요. 그걸 위해서는 페티시를 솔직하게 드러내는 수밖에 없죠. 그래서 그 아이에 대한 전파 활동을 한다고 생각하며, 온라인 활동을 하고 있는 것 같아요.

Well, in the end, there are all sorts of people in the world, each with their own preferences. Of course, there are probably plenty of people who like what I write or who enjoy this genre, so maybe it’s important to start by reaching out to those people. I can’t help but wonder what will be left if I can’t succeed in my area of expertise. I’m not particularly skilled at coming up with one-hit-wonder ideas. Of course, creating something that becomes a buzz on Twitter or that everyone can relate to might easily garner that momentary sense of connection, but to put it a certain way, I want people to fall in love with the characters I create. I want them to understand the feeling I have for those characters. In order to do that, I have no choice but to be honest about my fetishes. So, I think of it as diligently spreading the word about those characters, engaging in online activities, or at least having a certain aspect of that.

사코다

재미있는 표현을 받았다고 생각합니다. 결국, 정말 페티시가 뿌리내린 캐릭터나 어떤 상황을 진정으로 사랑하고 전파하려는 마음으로 한다면, 정말 그 사랑이 닿는 사람에게는 닿을 것이고, 고집스럽게 계속해 나가야 할 부분도 있겠죠.

I thought I received an interesting way of expression. Well, in short, if you really have a character or a situation that is deeply rooted in your fetish, and you spread the love with the intention of truly loving it, it will resonate with those who truly understand that love. Well, there are also places where you stubbornly persist, right?

시노

그렇군요. 조금 오타쿠적이네요.

Oh, I see. That’s a bit geeky, isn’t it?

사코다

여러 가지 미디어가 있을 것 같은데, 글로벌 SNS인 트위터는 유효한 전술이 아닐까 생각합니다. 결국 전제로 글로벌을 향하고 있다면 모수가 커지기 때문에, 아무리 페티시나 니치로 가더라도 모수가 크죠.

I think there are various types of media, but I believe that Twitter, being a global social networking service, could be an effective tactic. As a prerequisite, aiming globally would increase the user base, so no matter how much it caters to fetishes or niches, the user base would still be large.

시노

또한, 예를 들어 짐승이나 로봇 같은 것들, 일본에서는 별로 관심이 없는 사람들이 많을 수 있지만, 예를 들어 미국에서는 어린이 프로그램에서 모든 것을 동물로 의인화하는 경우가 많고, 꽤 많이 있습니다. 디지몬도 일본보다 외국에서 더 인기 있는 것 같고요. 일본인에게만 인기가 있을 필요는 없다고 생각합니다. 그래서 애니메이션은 언어가 통하지 않아도, 즉 영상은 언어가 없어도 영상을 만들 수 있잖아요. 그래서 언어 없이 캐릭터와 움직임으로 승부하는 것도 전혀 가능하다고 생각하고, 그런 것도 괜찮다고 생각하고 있습니다. 왜냐하면 톰과 제리는 대사가 없으니까요.

Also, for example, whether it’s animals or robots or anything else, in Japan, there may not be many people who are really interested in them. But in countries like America, for example, in children’s shows, they often anthropomorphize everything into animals, and there are quite a lot of them. Even Digimon seemed to be more popular overseas than in Japan. Well, it doesn’t have to be popular only among Japanese people, I guess. So even without the word “animation,” or even without the word “visual,” you can still create visuals, you know. So I thought it might be possible to compete with just characters and movements, without words, and I kind of have that idea. After all, Tom and Jerry don’t have any dialogue.

사코다

그렇다고 생각합니다. 비언어적이라는 것은 메타버스 같은 것이 등장했을 때에도, 다시 비언어적이라는 것을 생각해볼 필요가 있다고 느꼈습니다. AI가 등장함으로써 언어 번역 같은 것이 용이해지고 언어 장벽이 제거될 수 있지만, 여전히 더 원시적이고 원초적인 비언어적 커뮤니케이션이 더 잘 전달될 수 있을 것 같습니다. 글로벌 브랜딩에 있어서는 영상이 모든 미디어에서 이 세계에서 가장 전달하기 쉬운 것이라고 생각합니다.

I agree. I felt that even when something like the metaverse emerged, it was necessary to reconsider being nonverbal. With the advent of AI, things like language translation may become easier and language barriers may be removed, but I still think that more primitive and primitive nonverbal communication can convey more. In terms of global branding, I think that visuals are still the most easily understood in all media in this world.

시노

그렇군요. 예를 들어 인도 영화가 왜 춤 같은 것을 포함하는지에 대한 이유는, 언어권이 넓고 통하지 않는 곳에서도 이해할 수 있도록 그렇게 하고 있기 때문입니다. 예를 들어 제가 존경하는 조지 밀러 감독의 “매드맥스: 분노의 도로” 같은 경우, 소리 없이 봐도 이해할 수 있도록 화면을 만들고 있습니다. 굳이 보여줄 필요가 없는 지도를 마크스가 자신의 피로 그려서 보여주기도 하고요. 즉, 소리가 없는 상태에서도 어느 정도 전달될 수 있도록 아마 영상이 구성될 수 있습니다. 애니메이션은 특히 그게 더 쉬운 것 같아요. 왜냐하면 화면 위에는 의도한 것만 존재하니까요. “이런 의미다”라는 것을 모두 화면에 담을 수 있고, 우연성이 존재하지 않도록 할 수 있습니다. 그런 것들이 결합되어 저는 애니메이션을 선택하고 있는 부분도 있습니다. 결국 그때의 감각은 인류 어디서나 같지 않을까 싶어요. 이 감정은 아마 이해할 수 있는 사람에게는 이해될 것입니다.

Yeah, that’s right. For example, when it comes to why Indian movies incorporate dance and such, it’s because they want to make it understandable even in areas where the language might not be familiar. Like, for instance, the director George Miller, whom I admire, created the film “Mad Max: Fury Road” in a way that you can understand even without sound. He intentionally showed Max drawing a map with his own blood, even though it wasn’t necessary to explicitly present it. In other words, even without sound, you can convey a certain level of understanding through visual storytelling. And I think anime is particularly good at that. Because in anime, only what is intended to be on the screen exists. You can eliminate chance occurrences and ensure that everything is deliberate. That, combined with other factors, is why I personally choose anime. Ultimately, I believe that this feeling is something that anyone who understands it can relate to.

사코다

그렇다고 생각합니다. SNS 시대의 브랜딩 이야기로 돌아가면, 제가 자가당착이 될 수 있지만, 영상이라는 표현 방법은 글로벌 SNS에서 자신을 드러낼 때 아마 가장 강력한 커뮤니케이션 수단이라고 생각합니다. 또한, 시노님이 짧은 시간 감각에서 마음의 움직임을 표현하고 싶다고 하셨는데, 이게 지금 시대에 잘 맞는 것 같다는 생각이 듭니다. 트위터에서는 소리도 없고, 사용자는 잠깐만 보고 지나가죠. 그 소리가 없는 순간에 사람의 마음을 사로잡고 공감을 형성하는 데 있어, 애니메이션이라는 영상 표현이 정말 적합할 수 있다는 힌트가 있을 것 같다고 생각했습니다.

I agree. Returning to the discussion of branding in the age of social media, it may seem self-centered, but I believe that visual expression is probably the most powerful means of communication when it comes to revealing oneself on global social media platforms. Also, what struck me is when Shino-san mentioned wanting to express the movements of the heart in a short time frame. It seems oddly fitting for the current era. On Twitter, there is no sound and users only glance at content for a moment. In that fleeting moment without sound, capturing people’s hearts and cultivating empathy, I think anime as a visual expression may be extremely suitable. It might provide some hints.

시노

그렇군요. 저는 인터넷에 전혀 커밋하지 않아서, 조금 방치해두고 있습니다.

Well, that’s right. I haven’t been committing to the internet at all, so I’ve kind of left it alone for a bit.

사코다

다시 생각해보니, 소리가 나지 않거나 말하지 않는 것은 트위터가 그렇죠. 틱톡 같은 경우는 오히려 소리가 나고, 말하고, 움직이는 것 같은 느낌일 수 있겠네요.

I thought so again. Twitter doesn’t make any sound or talk, right? TikTok and those kinds of platforms, on the other hand, are more about making sounds, talking, and moving.

시노

그렇죠. 저쪽은 제대로 결말을 지을 수 있고, 그 짧은 시간 간격의 쾌적함을 매우 주의 깊게 살펴보잖아요. 작은 동영상에서도 정말 편집을 프레임 단위로, 여기 정말 2프레임 3프레임 많으면 조금 가벼워질 수 있는 부분을 딱 잘라서 하거든요. 꽤 그쪽의 전문가가 많죠. 광고처럼 짧은 시간 안에 이걸 전달해야 한다고 했을 때, 저쪽 사람들의 재능은 정말 대단하다고 생각합니다.

Yes, that’s right. They can give it a proper ending, and they really focus on the excitement of those short intervals. Even in small videos, they do amazing editing, cutting it precisely to make it feel light even if there are a few extra frames. There are quite a few specialists in that area, aren’t there? When it comes to conveying something in a short time like in commercials, I really think their talent is incredible.

사코다

정말 한 프레임 한 프레임에 집착을 투영하니까요. 여러 가지를 들으면서, 시노님의 집착이 투영된 결과가 꽤 SNS 기획에서도 유용한 방법이 아닐까 하는 연결이 된 것 같습니다. 그리고 앞으로의 비전 같은 것도 듣고 싶습니다. 앞으로 하고 싶은 것 같은 게 있나요? 막연하게라도요.

Yeah, that’s right. We really focus on projecting our obsession with each frame. Among the various things I’ve heard, I feel like it connects to the idea of your obsession and projection, which could be a useful approach even in SNS planning. Also, if it’s possible, I would like to hear about your future vision or something like that. Well, how about it? Do you have any vague thoughts about things you would like to do in the future?

시노

앞으로요? 일단 상업적으로 그림 콘티 하나 정도는 하고 싶네요. 뭐 가까운 목표이긴 한데요. 원화 같은 경우는 본격적으로 하면 어느 정도 화면을 만들 수 있게 되었으니까, 이제는 대사도 있는 걸 만들어보고 싶다는 생각이 있습니다. 물론 감독이나 오리지널 캐릭터 디자인 같은 쪽의 일도 전혀 하고 싶고요. 저는 그렇게 직책 같은 것에 집착하지는 않아서, 가능한 한 제가 책임을 지고 다룰 수 있는 범위가 넓으면 좋겠다는 타입입니다. 그래서 천천히 다룰 수 있는 범위를 늘려가고 싶다는 생각입니다.

In the future, huh? For now, I’d like to take on at least one storyboard in the commercial industry. It’s a reachable goal, I suppose. Well, if I get serious, I can create a decent amount of frames for things like original artwork, so I’m starting to feel like trying to make something with dialogue would be nice. Of course, I definitely want to do work in the direction of being a director or creating original character designs, but I’m not really fixated on having those kinds of positions. As long as I can have a wide range of responsibilities that I can handle, well, that’s good enough for me. Well, I guess I’ll gradually expand the range of things I can handle.